Цель:

Вокал хорошо звучит,  только, когда он исполнен и записан "чисто". Если певец не попадает в ноты, вокальное исполнение звучит плохо и вся запись, какая бы ни была аранжировка, выглядит очень бедной и некачественной.

Проблема:

Исполнитель поет чисто, когда присутствуют следующие вещи: хорошо поставленный голос, музыкальный слух , обратная связь (когда вокалист слышит то, что поет) и хорошая студийная аппаратура, на которой осуществляется запись. Однако уши не всегда корректно воспринимают тон, даже если у исполнителя есть слух. Когда музыка воспроизводится очень громко, человек слышит басовые частоты ниже, чем они записаны. На сколько ниже ? Иногда на половину тона, а то и больше. При записи певец слушает аранжировку в наушниках. Если при этом фонограмма воспроизводится очень громко и наушники хорошо воспроизводят басы, певец пытается подстроиться под тон, который слышит и обычно поет ниже, чем нужно.

Решение:

В этом случае решение очень простое. Если вокалист поет, ниже, чем записана аранжировка, убавьте громкость фонограммы в наушниках и уберите басы. Исполнителю потребуется некоторое время, чтобы привыкнуть к записи на убавленной громкости и уменьшенных басах, но это поможет ему петь "чисто".

Когда исполнитель настроен на громкие басы, которые воспроизводятся в наушниках, он поет фальшиво, ниже по тону, чем нужно.

Предлагаю следующий эксперимент:

1. Запишите вокалиста на одну из дорожек с сильными басами и большой громкостью в наушниках.

2. Затем убавьте громкость и низкие частоты и попросите спеть его снова, записав новый вариант на другую дорожку

3. Покажите исполнителю оба варианта и спросите, какой спет лучше. Без сомнения он укажет на запись, сделанную на пониженных басах и малой громкости

Другой совет:

Когда два инструмента воспроизводятся в одной тональности, но один из них играет "фальшиво", наблюдается биение. Это биение выражается в постоянном увеличение либо уменьшении звука. Когда тон инструмента, записанного "фальшиво" приближается к тону записанного "чисто" инструмента, биение пропадает. Умение слышать это биение является большим плюсом в том, как можно определять "фальшиво" записанные партии инструментов.

Реверберация устраняет и сглаживает такого рода биения. Данный эффект широко применяется при записи вокала. Однако, если при записи исполнителя Вы используете много голосовой обработки, человеку тяжело будет определить, что он поет "фальшиво". Поэтому лучше всего записывать вокал с малым количеством обработки или вообще без неё. После чего можно обработать вокальную партию данным эффектом отдельно.

Необычное обстоятельство:

Иногда певец поет "чисто" при громкой фонограмме, которую слышит в наушниках. Это возможно, если вокалист многие годы выступал на концертных площадках, где фонограмма играет очень громко. И певец привык петь корректно даже при громкой фонограмме и сильных басах. В этом случае может возникнуть проблема записи фонограммы при малой громкости и малых басах. И вокалист будет "завышать" тон. Случается такое явление редко, но о нем нельзя забывать.

 Выводы:

Если вокалист поет "фальшиво",

• Убавьте громкость фонограммы в наушниках, уменьшите басы
• Используйте минимум голосовой обработки при записи голоса

Материал взят с сайта: http://www.energy-records.ru/

Задумывались ли вы над тем, что у классической и электронной музыки много общего? Ведь именно классическую музыку считают наиболее удобным для переработки материалом многие, признанные во всем мире, продюсеры, а многие музыканты перешли к электронному саунду, получив перед этим консерваторское или джазовое образование. Все дело в основных канонах создания произведений, которые, у классической и электронной музыки, во многом схожи. Своими взглядами на рождение электронных произведений с нами поделился DJ Anton Aprelin, обладатель классического музыкального образования и опыта написания собственной оркестровки, многочисленных песен и аранжировок, а также треков в стиле progressive house.
Вертикаль трека в электронной музыке очень похожа на вертикаль оркестровки, здесь обязательно присутствуют 6 функций, характерных для классики: мелодия, контрапункт, гармония, фигурация, бас и ударные, проявляющиеся все вместе только в ключевых моментах произведения. Отличие только в количестве возможных тембральных окрасок– компьютерная музыка даёт гораздо больше возможностей автору - управляя ручками синтезатора, можно получить бесконечное количество новых тембров.

Вертикаль трека в электронной музыке очень похожа на вертикаль оркестровки, здесь обязательно присутствуют 6 функций, характерных для классики: мелодия, контрапункт, гармония, фигурация, бас и ударные, проявляющиеся все вместе только в ключевых моментах произведения. Отличие только в количестве возможных тембральных окрасок– компьютерная музыка даёт гораздо больше возможностей автору - управляя ручками синтезатора, можно получить бесконечное количество новых тембров.

Подготовка

Итак, электронной музыке свойственна так называемая «квадратичная структура» (причём, не только ей, просто здесь она проявляется наиболее ярко) - все элементы должны быть кратны 4 или хотя бы использоваться чётное количество раз, а ключевые моменты должны приходиться на каждый четвёртый такт или фразу. Квадратичная структура особенно чётко прослеживается во вступлении, когда, чтобы сделать сведение удобным, обычно идет только ритм, к которому постепенно добавляются новые и новые ударные через каждые четыре или восемь тактов, однако она должна сохраняться на протяжении всего трека. Данное явление как-то связанно с внутренними ритмами человека, ведь не случайно именно 4/4 – самый распространённый размер в музыке в целом.

Что касается выбора программы, в которой пишется музыка, то от неё не так уж и много зависит, как и от выбора микрофона для записи вокала. Гораздо важнее профессионализм продюсера и вокалиста, равно как и их привычки. Антон, например, выбирает Logic и микрофоны Neumann, а иногда и более простые 58th SHURE. Использование живых инструментов в треке, по мнению многих профессионалов, в наше время стало не обязательным благодаря высочайшему качеству виртуальных аналогов.

Построение:

Как правило, трек рождается по следующей схеме: мелодия – гармония – ритм - бас. Что интересно, процессы создания музыки в разных стилях зачастую похожи: те же наброски, «эскизы» главных тем в голове, либо возникающие под пальцами во время перебирания струн на гитаре или клавиш «фортепианной» миди-клавиатуры. Мелодия постепенно обрабатывается, обретает более стройный вид, становится более гармоничной на слух, и однажды вдруг приходит понимание, что из этого что-то получится. А потом следует более кропотливая работа – аранжировка, выбор звуков, инструментов - каждый барабан отдельно, «щёточки», Noise эффекты, контрапункты, арпеджированные фигурации, и прочее, прочее. Вдохновение может прийти в любой момент, в самой разной обстановке. Кстати, контрапункт – термин, возможно не знакомый людям без музыкального образования, это как бы вторая мелодия, не похожая по характеру на основную тему и гармонично её дополняющая.

Классическая схема построения инструментального трека:

Ритм. Голый квадратичный ритм в начале трека должен идти около минуты. Не меньше – чтобы сведение не было проблематичным, и не больше, чтобы не затянуть ожидание у публики. В хаусовых треках на протяжении всего произведения традиционно поддерживается один и тот же ритм, меняться могут лишь ударные (бочка, снейр, перкуссия, шейкеры).

1.Вступление. Участок с упрощённым звучанием. Отсутствие шумовых атмосферных эффектов, срез низких частот.

2.Основная тема. Может повторяться чётное количество раз по указанной нами выше причине – закону квадратичности.

3.Затишье. Отсутствие ударных, возможно с приглушенной основной темой.

4.Развитие. С нарастающей громкостью и шумами.

5.Основная партия. См выше.

6.Финальная бочка. Порядка минуты простого ритма, для лёгкости сведения следующего трека, со снижением количества ударных.

Стоит отметить, что данное построение не является единственно возможным и может сильно варьироваться. У вокальных композиций схема немного иная из-за структуры куплет-припев. И не стоит сильно затягивать вступление, иначе основная тема трека вступит слишком поздно и, соответственно, закончится раньше, чем публика успевает её хорошенько распробовать.

Тембр и эффекты:

После выбора инструмента немалое количество времени занимает поиск его тембра. При этом на протяжении композиции окраска звука может меняться (обработка различными эффектами, подмешивание дублирующего, т.е. играющего в унисон или в октаву инструмента). Когда выбран, например, тембр баса, его звучание тщательно обрабатывается эквалайзером (обработка, делающая тембр звонче, глуше, либо по-другому частотно изменяющая звук), выравнивается громкость, может использоваться фильтрование (срезаются высокие или низкие частоты). Можно «создать волну», волнообразно перемещая фильтр по частотам. Этот приём любим как продюсерами, так и ди-джеями и используется, как правило, за 2-3 секунды до «ключевого момента», чтобы подготовить публику к эмоциональному взрыву. Chorus – эффект, добавляющий объём звучания самым различным инструментам, Reverse – создаёт эффект растекания звука по залу, им обрабатывают солирующие и другие инструменты. Один из любимых эффектов Апрелина – delay, идущий в правом канале восьмыми триолями, а в левом – просто восьмыми, создавая интересный эффект «биения», когда повторы причудливым образом разлетаются по панораме. Также можно увеличить параметр «feedback» в настройках delay’я более чем до 50 %, когда затухающий повторяющийся элемент вдруг начинает возвращаться к жизни, немного видоизменяясь. Стоит упомянуть и эффект Compressor Side Chain, когда в момент удара бочки приглушаются все остальные инструменты. Самый яркий пример использования этого эффекта – творчество Benny Benassy.

Когда партии ударных и баса готовы, самое время добавить атмосферных шумовых эффектов (noise FX). Как правило, они добавляются в ключевых местах, между музыкальными фразами. На подбор эффектов уходит немало времени, ведь найти правильный вариант можно лишь методом проб и ошибок. Иногда стоит дать публике передохнуть и набраться сил перед кульминационным моментом. Это достигается при помощи «затишья», используемого практически во всех треках хауса и транса, когда на время смолкают ударные. Частотная обработка (эквализация) дорожек со срезом низких частот также даст публике передышку и раскрасит трек.

Нюансы продакшена

Работа над треком занимает около 2-3 недель, если ежедневно посвящать его созданию по несколько часов. А вот творить сутки напролёт не стоит по двум причинам: Во-первых, при работе над аранжировкой возникает так называемое «привыкание к звучанию» - иногда часами прослушивать 2 такта, подбирая эффекты либо тембр инструмента. За это время можно потерять способность объективно оценивать звучание. Это станет понятно, когда услышишь тот же отрывок на свежую голову. Правильнее всего - сделать паузу и вернуться к аранжировке на следующий день. Это же правило касается сведения и мастеринга миксов. Во-вторых, не забывайте, что главный инструмент музыканта – это его слух, который очень важно беречь. Слух очень сильно садится от работы в наушниках, ведь своё творение приходится прослушивать на довольно большой громкости и весьма долго. Если есть возможность не работать в наушниках, лучше ей воспользоваться и включать внешние мониторы. Однако наушники порой просто необходимы при определении панорамы композиции и совершенствовании инструментального баланса.

В работе над созданием собственной музыки очень помогают два документа: «история создания трека» - тайминг, по которому можно определить, сколько времени заняла обработка каждого элемента, а также перечень использованных компонентов - синтов, пэтчей, звуков, призванный помочь ускорить работу над следующими треками.

В любом случае, эта статья – совет, а не догма, ведь прелесть каждого автора в его индивидуальности.